Historia del arte contemporáneo

Esther Ferrer

Se acerca la fecha del encuentro con Esther Ferrer que tendremos el día 8 de mayo de 2014 a las 19:00 y, como no puede ser de otro modo, es uno de los más esperados del ciclo que venimos desarrollando. Esther es una artista que ya forma parte de la historia del arte contemporáneo, así que no voy a poner mucho más énfasis en la conveniencia de que asistáis ese jueves. Sus planteamientos en el campo de la performance han sido decisivos para redefinir ese ámbito, pero sería insuficiente quedarse sólo con esa parte de su producción. Si echáis un vistazo a su página personal a la que he vinculado su nombre en esta entrada encontraréis bastante información interesante para preparar el encuentro. Podemos comentar en clase cuestiones previas para abordarlo y aprovechar más esta oportunidad. No os lo perdáis.

 

 

Para dejar constancia: Ignasi Aballí

El último de este año no decepcionó. Ignasi Aballí ha cerrado el ciclo de invitaciones a artistas que trabajan en el mundo real y que vienen a la facultad de Bellas Artes de Salamanca a tener una conversación con nuestros alumnos. Ignasi estuvo magnífico dejando que la ironía de su obra nos hablara sin la necesidad del énfasis, sin el irritante entrecomillado que la gente le pone con los dedos a las cosas que no lo necesitan. Nos mostró un recorrido bastante completo con esa humildad con la que él explica la impecable sencillez de sus obras. Sus soluciones precisas siempre apuntan a donde operan esos significantes cuyo significado ha sido borrado. Era de esperar que utilizara esa humildad de su relato para dejarnos constancia de las cosas nimias, nosotros hacemos lo que podemos con esta breve nota que llega con retraso. Los señalamientos de Aballí han sido un magnífico colofón para la última visita de este año. Tuvo lugar el lunes 25 de noviembre y sólo nos queda agradecerle haber estado con nosotros.

Con Eva Lootz

Hemos dejado pasar algo de tiempo desde que Eva Lootz estuvo en la facultad. Fue el 6 de noviembre de este año que se nos va, el 2013, y la veredad es que su paso por nuestro ciclo de conferencias fue un excelente modo de ir cerrándolo. Aún nos quedaba otro encuentro… Eva planteó, como solicitamos a nuestros invitados, un recorrido por su trayectoria. Recaló en sus procesos de alquimia, en los materiales diversos que han cristalizado en su universo, y eludimos casi intencionadamente recordar los nichos historiográficos con los que solemos ubicar a los artistas que como ella ya han hecho historia. En su lugar, la propia explicación de las obras bastaba por momentos para evocar la poética que encierra esa relación suya con los materiales. En fin, escuchar cómo se autorretratan algunos artistas ante un salón de actos abarrotado de alumnos de Bellas Artes no deja de ser un pequeño y gratificante espectáculo que nos llevamos los docentes de vez en cuando. Gracias a todos los que fuisteis, también a algunos de los compañeros que saben por qué hacemos este ciclo.

Sobre vanguardia y revolución.

Volvemos al CENDEAC en Murcia en el contexto de un curso de introducción al arte contemporáneo, con el encargo de hacer una aproximación a las relaciones entre vanguardia y revolución. Un tema complejo pero lleno de nodos interesantes que desentrañar. He definido el adelanto que me pedían como: Paisajes de la revolución. El arte y el cambio de la conciencia colectiva.

El siglo XX aparece recorrido por un eje revolucionario, por un anhelo de reiniciar la historia y borrar sus fracasos. El comienzo de este ciclo de secesiones, que ya es visible en el XIX, acaba transformándose en un síntoma repetido cada vez con más urgencia, hasta convertirse en un régimen de ruptura casi compulsiva. Esta conferencia abordará la relación entre el arte de vanguardia y la revolución como artefactos ideológicos y estéticos que operan en la fundación del mundo tal como hoy lo conocemos. Se abordarán los motivos y las alianzas no siempre explícitas entre estética y política.

Juan Luis Moraza: sobre la investigación artística

El próximo 17 de abril (2013) nos vemos en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca con Juan Luis Moraza, artista y profesor de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra (Universidad de Vigo). La obra de Moraza, tanto artística como teórica, es especialmente interesante para nosotros porque es uno de los creadores contemporáneos más reflexivos y conscientes de los procesos productivos. Como le hemos pedido, abordaremos los aspectos relacionados con la investigación artística, en particular, referidos a su propia trayectoria, con alusiones a “sus referencias, sus aspectos relavantes, sus propósitos, sus mecanismos materiales, sensibles estrcuturales y simbólicos de elaboración”, según nos indica en los emails preparatorios del encuentro.

De momento, ya nos ha facilitado una serie de textos que servirían para aprovechar mejor la jornada en la que estaremos debatiendo estos temas con él. Este tipo de encuentros permiten dar sentido a la tarea que realizamos en la facultad, tanto docentes como alumnos, pensando de nuevo el “por qué” de la producción artística en nuestro momento actual. Dotar de sentido una actividad como la práctica del arte es más necesario que nunca. Con Moraza, estoy seguro, tendremos mucho de que hablar sobre esto.

Os adjunto los textos que vamos a trabajar  y os invito a participar activamente.

el inicio de una exclamacion

EL DESEO DEL ARTISTA

VERBIMAGENES

cristofol

Las “ideas K”, de Fernando Sinaga, viajan a Bragança, Portugal

La exposición retrospectiva que tuvimos en el MUSAC sobre la obra de Fernando Sinaga es objeto ahora de una segunda edición en la ciudad portugesa de Bragança, donde se inauguró recientemente. La institución que en diálogo con el MUSAC acoge la muestra es el Centro de Arte Contemporâneo Graça Morais. Le deseamos lo mejor a Fernando en esta nueva etapa. En León tuvimos la oportunidad de ver una buena porción del conjunto de su obra, algo que en el caso de artistas de fuertes raíces conceptuales siempre resulta iluminador y necesario. La obra de Fernando Sinaga debe recorrerse en sus sutiles variaciones y coherencias a lo largo del tiempo, así que una retrospectiva es siempre una forma global de entender un trabajo que abarca 25 años. En esto, la labor de Gloria Moure, la comisaria de esta revisión, ha resultado decisiva. Creo que él mismo ha insistido en esta idea de temporalidad y espacialidad tan oportuna aquí.

Estuvimos con Javier Codesal

Creo que el encuentro con Javier Codesal que mantuvimos en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca el pasado 4 de diciembre fue de interés para todos. Después de Montse Soto y de Luis Gordillo, la presencia de Codesal va decantando un ciclo que nos da la oportunidad de conocer el relato de los procesos que siguen estos artistas. En primer lugar os agradezco enormemente la numerosa asistencia y la participación. Javier Codesal es un artista que reconstruye la retórica del audivisual con una conciencia muy clara de lo poético, apoyado por el relato oral de sus personajes, el uso de la voz y la relación física con la cámara, tal como nos relató en el encuentro. Especialmente intersante fue la conversación con Marisol Farrés en torno a las diferencias entre los usos del audivisual en la industria televisiva y cinematográfica, y los que se dan en el campo artístico. Codesal defendió la libertad de elaborar poéticas mínimas y contenidos críticos en el contexto artístico, las condiciones de posibilidad de relatos alternativos a través del vídeo, que no permiten los sistemas de producción de la industria. De nuevo gracias, también a los profesores de nuestra facultad que vinieron al encuentro.

Presentación de Mitsuo Miura por Armando Montesinos

 

 

Taller sobre la investigación en la práctica artística.

El día 7 de abril (2012) por la mañana, desarrollaré para algunos alumnos y exalumnos del Máster Oficial en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual que comparten el MNCARS, la Universidad Complutense y la Autónoma de Madrid, un taller sobre el concepto de “investigación en la práctica artística” con una pregunta de fondo: ¿qué es investigar para el arte? Esa pregunta afecta a la naturaleza de la práctica en el contexto actual, especialmente acosado por los cambios y por la decadencia de la institución académica en una crisis de referencias, valores y recursos sin precedentes. En esa crisis podríamos decir que los saberes y disciplinas de las llamadas “humanidades”, de las que el arte sería un ejemplo de máxima radicalidad, están siendo marginadas de manera muy visible. Me parece un tema especialmente oportuno que se ha estado planteando en otros foros como es la última Documenta (13) de Kassel, donde se debatió en un evento mantenido durante los días 8 y 9 de septiembre bajo el título “On Artistic Research: A Two-Day Conference with the Art Academy Network Developed by dOcumenta (13)” y que articula algunos de los textos programáticos de la edición de este año, en concreto a partir del que firma Chus Martínez bajo el título “How a Tadpole Becomes a Frog. Belated Aesthetics: Politics, and Animated Matter: Toward a Theory of Artistic Research”, p. 46-57 del catálogo.

Nuestro planteamiento va a reconsiderar algunas otras cuestiones de raíz teórica pero que se vuelcan en la práctica de manera continuada desde las escisiones modernas. No deja de ser sintomático, por ello, que este asunto salte a la palestra en foros diversos. Algunos se han tomado la molestia de tratar de definir tales conceptos como el de investigación o conocimiento artístico, pero el desafío es demasiado grande… por ahora, para nosotros, se trata más bien de una aproximación en la que cuento con la suerte de tener unos interlocutores que han desarrollado una importante tarea previa en este Máster. Como se trata de un taller espero que podamos plantearnos allí algunas cuestiones de interés e incluso mantener un posible intercambio posterior a partir de los aspectos que se aborden y que completarán esta entrada con las conclusiones o preguntas que surjan en el diálogo. Os espero.

 

Presentaciones de “La querella oculta. Jeff Wall y la crítica de la neovanguardia”.

Venimos haciendo una ronda de presentaciones del nuevo libro, La querella oculta. Jeff Wall y la crítica de la neovanguardia, que la editorial cántabra El Desvelo ha tenido la generosidad de publicar y que incluye un ensayo y una extensa entrevista con Jeff Wall mantenida en Vancouver en septiembre de 2006. Se trata, como he intentado expresar, de un documento que creo reviste un interés adicional en las interesantes confesiones de Wall en los encuentros.

Ya hicimos una primera presentación en la Librería Gil de Santander en la que me acompañaron Luis Alberto Salcines, uno de mis editores, y Kevin Power, crítico de arte y teórico de origen inglés que lleva viviendo en España muchos años y que fue una de mis lecturas destacadas en la elaboración de algunos de los trabajos sobre artistas españoles en el pasado. Fue un encuentro muy gratificante por la cordialidad de Kevin y la reiterada hospitalidad de esta librería de Santander que se ha convertido en un lugar en el que inaugurar la circulación de mis libros, como ya ocurrió en los anteriores.

Ahora tengo la suerte de tener otro anfitrión de referencia en Salamanca, Suso de la librería Hydria, que me permitirá presentar también el libro con dos de los compañeros más importantes para mí en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca: José Gómez Isla y Alberto Santamaría. Dos personas a las que tengo que agradecer muchas cosas y que de nuevo estarán conmigo en esto. Os invito a pasar por allí aunque para quienes estáis en salamanca seamos sospechosos habituales.

El calendario de presentaciones planteado con El Desvelo continuará en León, en el MUSAC, el día 28 de noviembre (pendiente de confirmación), donde la presentación se hará en forma de conferencia sobre la obra de Wall en la que trataré de desarrollar y comentar algunas de las ideas principales que se dejan caer en el libro a través de las conversaciones. Espero que sea de vuestro interés. También está previsto que se presente en Madrid en la Librería La Central, aunque todavía no tenemos establecidas fechas. Iré informando del tema.

Mientras tanto os dejo un interesante extracto de las notas que Kevin Power desgranó en la presenación de Santander y que ha tenido la generosidad de dejar disponible en el blog de El Desvelo. Gracias de nuevo Kevin.

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“El ensayo de Jeff Wall, editado en Bélgica en 1988, sobre la pieza de Dan Graham de 1978 Alteración a una casa suburbana – una pieza no realizada y quizás imposible de realizar que funde conceptualmente tres de los tropos más resonantes de la arquitectura, es decir, el rascacielos de cristal, la casa de cristal, y la casa suburbana en una expresión apocalíptica y una tragedia histórica. 1978 fue el año en el cual el arte conceptual tuvo que aguantar los fuertes ataques de la vueltas a los placeres de pintar – una vuelta narcisista de clara orientación comercial.

El libro de Víctor sirve como introducción útil y amena a las preocupaciones de Wall, un fotógrafo con un bagaje intelectual que le convierte en un conversador de sumo interés. Wall forma parte del Vancouver School, con lan Wallace, Dan Graham el trabajo de Wall se funde sobre bases conceptuales que cuestionan y extienden el campo de la fotografía y el sustrato teórico.

Victor del Rio sigue el desarrollo de la obra de Wall, desde los principios más duramente conceptuales, pasando por su estancia en Londres en la cual se dedica a los estudios, lecturas filosóficos y mucho cine, desde lo experimental hasta el nuevo cine alemán y francés que culmina en unos esfuerzos por hacer cine pero, según el artista, fracasados.

Del Río entra en el tema fascinante pero espinoso de la relación entre obra y espectador, tan central a la fotografía escenificada de Wall, ya que la obra va cambiando a medida que Wall va trabajando en ella – cambios influidos por muchos factores, el momento del día o la presencia de un edificio alto, una cable eléctrico o un árbol. Wall reconstruye simulacros de la realidad. Trabaja con actores, o más bien con amigo actores, para construir algo visto o algo pensado no tanto como lo había visto sino como piensa que mejor se podría ver. También, y hay que subrayarlo, trabaja con la imagen directa.

Siempre me ha impactado una afirmación, pero no me recuerdo bien quién lo dijo, poeta o pintor, de que hay que hacer mas complejo el campo referencial de una obra para interesar a un espectador cada vez mas sofisticado y caprichoso ya que si el contenido, imagen o escritura cede a la primera vista el espectador pasa a la próxima cosa. Es decir, el problema es mantener una tensión visual o de lectura al espectador o lector. Wall lo hace.

La segunda parte de la entrevista entra en temas de más peso y llama la atención a una serie de problemas de interés:

1/ la necesidad o no de tema en la fotografía, por ejemplo la imagen de lo que parece ser la guerra de Afganistan comparada con la obra que consiste solo en una imagen de una esfera sobre una columna de piedra de jardín. Wall argumenta que su tendencia ha sido ir avanzando hacia la desaparición del tema. Así uno se pregunta qué es lo que queda. Pues la belleza, la intriga, el reto exclusivo de la imagen. También habría que señalar que el arte mismo va en esta misma dirección, círculo curioso en el cual volvemos hacia la belleza como valor y portador del contenido del cuadro o foto y no el tema (social, cultural, etcetera) del mismo. Diría, sin querer entrar en esta batalla teórica, que las cosas en toda probabilidad van a ser mas complejas, y veremos sutiles tensiones y guiños entre las dos cosas

2/  La relación entre la obra de Wall y la literatura. Estoy pensando sobre todo en las referencias a Ellison y Mishima. No tengo idea si Víctor ha leído estos textos o no. El libro de Ellison es clave en la historia de la literatura negra norteamericana Y sin duda Wall conoce bien la polémica sobre la novela ‘Invisible Man’ con la comunidad negra y sobre todo que otros autores proclives a los argumentos y creencias de Black Power. No creo que tenga razón Victor cuando afirma que la gente no lo ha leído, se encuentra en el curriculum de muchas universidades (incluso la mía). El texto de Mishima también salía en los 60 o 70 en Penguin! Según Wall sus fotos borran las referencias textuales. Lo dudo mucho y quizás hubiera sido interesante entrar en estos argumentos y aclarar la posición de Wall.

3/   El impacto sobre la fotografía de su pasado pictórico y la afirmación de Wall de que la materia lleva en parte la carga de la obra.

4/ El tema del monocromo como hipótesis que señala el fin del progreso del arte occidental e inaugura un nuevo tipo de arte: una nueva era del arte y de la cultura. No tengo tiempo ni es la ocasión para entrar en ello. Wall insiste en que lo monocromo se ve como bello. Por mi parte no tengo problema en verlo como bello pero a la vez como una solución o respuesta para romper con los esquemas de la vanguardia. Esta muy claro en lo llamado pospictórico, pero las ambiciones de artistas que practican lo monocromo son muy distintas. No hay mas que pensar en las posturas radicalmente distintas de Ryman, Klein, y Malevich que responden a circunstancias históricas particulares y precisas muy distintas.
Lo que realmente es interesante es que Wall tiende a leer sus propuestas fotográficas a menudo en términos de pintura. Y aquí podremos hablar del tema – y del problema – del tamaño.

5/ La tensión entre estudios detallados – pero parciales – algo que le permite el montaje digital y la obra y la composición general.

6/ Es interesante lo que dice Wall en relación con el libro de Thierry de Duve, Kant after Duchamp y valdría la pena entrar con mas precisión y detalle. ¿De que manera piensa Wall que esta relectura de Kant le permite entender desde otras perspectivas la obra de los Minimalistas o los Conceptuales? ¿Cuáles son las claves de esta relectura? Wall escribe desde la perspectiva de su propia participación en el contexto y eso es fascinante, pero ¿qué es lo que había visto? ¿Y cuales son los puntos precisos que su relación con la fotografía se diferencia de una fotografía clásica a través de su convivencia con las otras artes? ¿Y por qué se vuelve hacia la fotografía? ¿Se trata de una vuelta hacia el hecho o mas bien una estrategia en la cual el hecho no es un hecho sin un dado circunstancial?

7/ Víctor también llama la atención al interés que pone Wall sobre la vuelta al arte autónomo como modo de formar una imagen del mundo y sobre todo al nivel del individuo.

Tiene imágenes claves con cargas políticas en las cuales estudia el lenguaje corporal, el tema de raza y diferencia. Según Wall las obras cargadas de estos temas pueden hacerse en el seno del arte autónomo. Es. Por lo menos, una afirmación polémica!!

Por ejemplo ‘Storyteller’ de 1986 nos parece una imagen de cierta ambigüedad. El titulo viene de Walter Benjamin, y ce centra enla idea de un narrador. Se trata de una imagen dramática de una situación urbana en la cual, de forma precaria, aún existen las posibilidades de palabras y de intercambio. El narrador es la figura moderna. Se trata del indio. Las otras dos figuras estan agrupados, algo apartadas, en circulo con un fuego más o menos apagado. Y más arriba en la autovía hay tres figuras más, una especie de puntuación del mini territorio abajo. Representan la fragilidad de todo: el peligro inminente de ruptura o explosión del círculo del narrador. La figura aislada representa la situación d’angoisse del individuo en nuestra sociedad. Se trata de un espacio en souffrance, es decir que sufre, un espacio marginal, no cultivado. Sin embargo las tres figuras abajo encarnan valores elementos esenciales de la memoria histórica. La crisis aquí es el presente.

La figura del indígena excluido, ajeno a su propio territorio representa para Wall otro modo de vivir el mundo, de estar presente, otro modo de cognición. Piensa que las sociedades con grandes mayorías conformistas (las europeas por ejemplo) deberían hacer un esfuerzo para dialogar con las minorías: una situación en la cual cada voz discordante tiene su otro, un igual, legitimado

La sonrisa de la mujer a la Mona Lisa, enigmática. La pareja no muy convencida de lo que dice, mas bien escéptica a lo que ella está diciendo. No es forzosamente verdad lo que cuenta la narradora. El escepticismo es sano.

En resumen un espacio de conversación llena de temas de sumo interes y un buen acercamiento a la obra y mundo estético de Wall.”

Kevin Power, 2012